all posts Картины. Живопись. Искусство

Телеграм канал для художников — готов! Друзья, знаю, что среди вас есть художники, которые хотели бы делиться своим творчеством с людьми и даже продавать свои работы. Однако, для этого нужен как минимум канал в телеграм. Знаю, что самому заниматься развитием канала не с руки, лучше отдать время творчеству — и тут я вас понимаю как никто другой. Если вам нужен готовый канал, то у меня он есть. Там собрались любители искусства, их сейчас 1140 человек и они ждут ваших картин. Представляете, вы прямо сегодня можете получить аудиторию сразу на больше чем 1000 подписчиков! Пока они наслаждаются русскими реалистами, но ждут ваши картины, хотят видеть ваши методы работы и читать ваши мысли. И даже хотят купить ваши полотна, чтоб хранить у себя дома. Впрочем, как вы будете вести свой новый канал с 1100 подписчиками — это ваше личное дело. Но я могу дать советы, если они вам будут нужны. Вот он https://t.me/rusrealizm Я знаю, чтоб создать такой канал нужно потратить не только около 50000 рублей, но и много времени. Однако, я делал этот канал именно для вас, и отдам вам его всего за 30 000 рублей. Так вы сэкономите почти половину денег на краски и холсты, а так же около нескольких месяцев для работы над новыми картинами. Круто?! — Ещё бы! Пишите контакту в описании канала для того, чтоб его забрать прямо сегодня. Желаю творческих успехов!

Казнь Джей Грей 1833 Поль Деларош Холст, масло. 246 × 297 см Лондонская Национальная галерея Одна из самых известных работ французского академиста Делароша. Она изображает трагический момент казни Леди Джейн Грей, королевы Англии, правившей всего девять дней в 1553 году. Леди Джейн Грей, которую иногда называют "королевой на девять дней", стала пешкой в политических интригах, связанных с престолонаследием Англии. После смерти короля Эдуарда VI, сыновья короля Генриха VIII, Джейн была провозглашена королевой Англии. Это произошло из-за её близкого родства с королевской семьёй и её протестантских убеждений, что было выгодно протестантской аристократии, которая хотела избежать прихода к власти католической Марии Тюдор (будущей королевы Марии I). Однако правление Джейн длилось всего девять дней, так как Мария Тюдор, известная также как "Кровавая Мария", быстро собрала сторонников и отстранила Джейн от власти. Вскоре Джейн и её мужа Гилфорда Дадли заточили в Тауэре. В феврале 1554 года они были казнены. Картина Делароша изображает Джейн Грей в последние минуты перед её казнью. Центральная фигура Джейн одета в белое платье, что символизирует её невинность и чистоту. Её глаза завязаны, и она на ощупь пытается найти плаху, на которой ей предстоит быть обезглавленной. Атмосфера сцены — трагичная и напряжённая: изображённый момент предельно драматичен, передаёт скорбь и напряжение, окружающее казнь молодой женщины, чья судьба была трагически предопределена политическими играми. По краям композиции расположены другие персонажи: женщины, одна из которых рыдает, другая молится. Палач стоит в стороне с топором в руках, изображён с выражением серьёзности и печали, что делает сцену ещё более эмоционально насыщенной. Напряжённая атмосфера подчёркивается контрастом тёмных и светлых тонов. Хотя полотно Делароша было создано в академическом стиле, что само по себе считалось устаревшим в середине XX века, его эмоциональная сила и историческая значимость сделали его одной из самых любимых картин Лондонской Национальной галереи после её повторного показа в 1975 году. Сюжет картины и её исторический контекст подчёркивают ключевую роль религиозных и политических конфликтов в английской истории XVI века. Трагическая судьба Джейн Грей — это напоминание о нестабильности власти и судьбах людей, оказавшихся втянутыми в эти события. ⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.

Как отличить коренную москвичку от приезжей? Ей все равно на Москва-Сити, Парк Горького или Красную площадь, потому что есть места поатмосфернее и без туристов. Она не ест в ресторанах на Патриках или в Депо — в Москве сотни мест, где можно вкусно поесть на 500 рублей. Короче, коренные москвички всегда знают самые топовые места. И как раз о них говорят на канале Москвичка Там собирают подборки из недорогих заведений, атмосферных мест для прогулок и фоток и афишу развлечений для каждого района города. Неважно, живете вы тут всю жизнь или хотите приехать на выходные — с этим каналом вы откроете Москву по-новому и точно найдёте чем себя удивить. Подписывайтесь: @moscowbaby

Башкиры (Башкиры, конвоирующие приговоренных) 1814 Вильям Аллан холст, масло. 43 × 63 см Эрмитаж, Санкт-Петербург Картина изображает сцену из повседневной жизни башкирских воинов в составе Российской империи. Художник, вдохновлённый своим пребыванием в России, изобразил момент, в котором два всадника на лошадях, вероятно башкиры, сопровождают группу приговорённых людей. Аллан в своих воспоминаниях описывал башкир как искусных наездников и воинов, вооружённых кольчугами, луками, стрелами, пистолетами, саблями и пиками. Он отмечал их пригодность для службы в русской армии, а также их смелость, энергичность и гостеприимство. По словам художника, башкиры произвели большое впечатление на парижан в конце наполеоновских войн, которые называли их «красавчиками Севера». Само изображение носит мрачный и атмосферный характер, с темными тонами, акцентирующими внимание на фигурах всадников. Картина представляет собой пример этнографического искусства XIX века, где художник стремится передать не только внешность и одежду изображаемых, но и их культурные особенности. ⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.

Единоборство Мстислава с Редедей 1943 Николай Константинович Рерих Холст, темпера. 57 × 123 см Русский музей, Санкт-Петербург Эта картина изображает исторический сюжет, повествующий о победе русского князя Мстислава Владимировича над Редедей, предводителем племени касогов. Согласно Лаврентьевской летописи, в 1022 году произошло столкновение между войсками касогов и русскими. Чтобы избежать кровопролития, князья Мстислав и Редедя договорились вступить в поединок, с условием, что войско побеждённого князя признает своё поражение. В поединке Редедя, обладая огромной физической силой, стал побеждать, но Мстислав одержал победу, обратившись с молитвой к Богородице. На картине изображены два мускулистых фигуры, сражающиеся на вершине холма под пастельным небом с низко висящей луной или солнцем. Один из бойцов одет в полосатые штаны, а другой, кажется, носит меньше одежды. На заднем плане видны элементы средневековой архитектуры и пейзажа, что подчеркивает древность сцены. ⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно.

🔍 Любители искусства — для вас потрясающее предложение! Представьте себе папку Культурных Каналов в Telegram, где вы найдете не только каналы, посвящённые искусству с восхитительными картинами. Но захватывающие рассказы на русском и английском языках. А так же в папке есть канал о музеях с занимательными выставками, фильмами об искусстве и даже канал с волшебной поэзией и кое что другое. Ну и конечно, изумительные мелодии — кайфуйте под классику! ❤️ Вот что точно покорит ваше сердце! И самое замечательное — не нужно подписываться на каждый канал отдельно. Просто добавьте одну папку к себе и наслаждайтесь этим разнообразием культуры и искусства: https://t.me/addlist/B4p71NiAfOw2MjMy Загляните всего на минутку — что-то, что вы точно захотите почитать, посмотреть или послушать 😁

Дайджест картин за август '24 Наши стикеры — t.me/addstickers/kartinytg ⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно. В голубом просторе. Аркадий Рылов Лебеди над Камой. Рылов Вечер. Красное дерево. Пит Мондриан Воз сена. Иероним Босх Зелёная полоса. Розанова Перспектива мадам Рекамье. Рене Магритт Портрет мадам Рекамье. Жак-Луи Давид Заправочная стация. Хоппер Молодой Омаха, Боевой Орёл, Маленький Миссури и пауни. Чарльз Бёрд Кинг Всадница. Карл Брюллов Этапы жизни. Каспар Давид Фридрих Серия «Путь империи». Томаса Коула Ангел смерти. Орас Верне Маха обнажённая и Маха одетая. Франсиско Гойя Рассвет. Максфилд Пэрриш Московский трактир. Борис Кустодиев

✅ Интересно, что многие из вас хотели бы в telegram вести свой канал. Однако, понимаю, что начать с нуля сложнова-то. А кто-то уже завёл канал, но, возможно, задумывается уже о сетке (несколько каналов), а как известно, что сеткой зарабатывать проще и вы планируете заводить второй канал, но, опять же, начинать второй канал с нуля тоже задачка. А кто-то уже может и держит сетку 2-3 канала и хотят ещё расширяться, что тоже правильно. С одной стороны можно начать с нуля, а с другой, можно купить канал. Но покупать стрёмно, сами понимаете почему. Разве что какой-то надёжный человек вам предложит купить канал. Человек, которого вы знаете и доверяете ему как себе. Тут вы точно уверены, что канал настоящий, что подписчики 100% живые и просмотры реальные. Что сделка пройдёт как по маслу. Да и цена не задрана. 📰 Вот у меня есть такой для вас: https://t.me/rusrealizm 👀 Откуда подписчики? Все подписчики из моей Сети Культурных Каналов и сам канал сейчас входит в папку Культурной Сети, можете проверить: https://t.me/addlist/c7ngCUTkDLw0ODZi 💰 Теперь о цене Цена 29000 р. Это около 28 р за подписчика (сейчас на канале 1030 подписчиков). Цена очень низкая для этой тематики. Если вы начнёте с нуля, то увидите, что цена подписчика будет 40-45 рублей и даже выше. 👤 Почему продаются дешевле, ведь канал отличный и мог бы продавать рекламу и приносить прибыль? Тут не будет сказок про то что у админа нет времени им заниматься, а будет правда. Цель была сделать качественный канал и предложить его вам. Чтоб помочь вам начать в телеграм. Чтоб вы получили готовый канал со знаком качества под свои нужды. Чтоб вы не искали и не попадали на прохвостов, которые продадут вам ботов по цене настоящих подписчиков. Вот и вся правда. ↔️ Что можно сделать с этим каналом? 1️⃣ Первое и очевидное — продолжать вести в том же духе. Как за 5-10 минут написать пост в канал я вам расскажу после продажи. И факт в том, что не нужно иметь глубоких знаний! Просто иметь интерес. 2️⃣ Второе — переделать канал под свои нужды. Но нужно понимать, что при резкой смене тематики будут отписки, но это не критично. Конечно, лучше менять тематику не на противоположную. Скажем, если не прямая тема искусства, что будет идеально, то лучше на "кино обзоры" или "психологию", а не на "бинарные опционы" или "программируем на питон". 🤑 Ну и ещё о приятном и выгодном Кроме низкой цены вы получите присутствие в моей папке до конца октября включительно. То есть я не стану удалять канал из папки своей Сети Культурных Каналов до 31 октября, если вы не будете менять тематику или даже если поменяете, но она будет вписываться в общую "арт-лит" концепцию. И это пожалуй, самый выгодный аспект, потому как папку я рекламирую регулярно, и благодаря этому вы будете получать бесплатно, настоящих читателей даже не тратясь на рекламу. Используйте это время, для того чтоб перестроить канал на свою стезю, если это необходимо. А позже договоримся как быть дальше, ведь со мной можно договориться 😉 ➡️ Итак: 🗒 Канал: https://t.me/rusrealizm 💵Цена: 29000 р. (28 р за подписчика) 👉Написать и договориться: @neznayca Напомню: при оплате в USDT скидка 10%

Без названия Макс Эрнст Немецкий и французский художник, значимая фигура в мировом авангарде XX века. Эрнст известен своими экспериментами с различными техниками и стилями, что привело его к созданию уникальных произведений, не вписывающихся в рамки традиционного искусства. Эта работа отражает период, когда Эрнст начал экспериментировать со стилем, который часто называют "натуральные формы". В этот период он отошёл от строгих, геометрических и абстрактных форм, которые характеризовали его ранние работы, и обратился к более органическим, плавным формам, вдохновленным природой. На картине видно, как художник передаёт гибкость и текучесть природных форм, при этом оставаясь верным своему сюрреалистическому подходу. В работе Эрнста также чувствуется влияние его интереса к биоморфным структурам, что проявляется в использовании текстур и форм, напоминающих растительные или органические элементы. Эта техника позволяет художнику создавать нечто, что находится на грани между абстракцией и представлением реальных природных объектов. Картина также демонстрирует важность цвета в творчестве Эрнста. Контрастные яркие оттенки оранжевого и глубокие тёмные тона создают ощущение динамики и глубины, подчеркивая игру света и тени, которая так характерна для его работ. Макс Эрнст оставил неизгладимый след в искусстве XX века, и его работы, как эта, продолжают восхищать и вдохновлять как профессионалов, так и любителей искусства. Его способность совмещать элементы сюрреализма, абстракции и природных форм делает его творчество уникальным и значимым в контексте мировой художественной сцены. 🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Обезьяны, крадущие фрукты 1579 - 1657 Франс Снейдерс 98х147 Париж, музей Лувр Обезьяны на полотне изображены в момент кражи фруктов, что символизирует человеческие пороки, такие как жадность, алчность и невоздержанность. Эти животные, которые в своей мимике и жестах напоминают людей, становятся своеобразным зеркалом, отражающим недостатки общества. В XVII веке подобные изображения служили своеобразным морализаторством — напоминаем зрителю о необходимости бороться с соблазнами и контролировать свои инстинкты. Картина создаёт впечатление динамики и напряжения. Вся композиция насыщена движением: одна обезьяна вытягивает руку за фруктом, другая активно защищает свою добычу, третья склонилась в попытке схватить ветку. Однако, несмотря на всю эту оживлённость, центральный элемент — корзина с фруктами — остаётся неподвижной и устойчивой, как символ изобилия и материального благополучия, вокруг которого разворачивается борьба. Аллегория в натюрморте приобретает ещё более глубокий смысл, когда мы понимаем, что обезьяны, занимающиеся кражей, противопоставляются плодам труда человека. В этом контексте они выступают как воплощение хаоса, разрушения и бесцельности, в то время как фрукты олицетворяют порядок, трудолюбие и достижение. В XVII веке такие картины нередко воспринимались как предупреждение, своего рода визуальный урок: не стоит поддаваться низменным инстинктам, иначе можно превратиться в пародию на самого себя. И, возможно, именно поэтому эти небольшие, юркие животные так часто появлялись на полотнах эпохи барокко — они позволяли художникам, как Франс Снейдерс, воплощать в своих работах одновременно и сатиру, и философскую глубину. Если углубиться в символику изображения, то можно заметить, что каждый фрукт имеет своё значение: виноград — символ изобилия и вечности, яблоко — плод познания, гранат — плодородия и вечной жизни. Обезьяны, взаимодействующие с этими плодами, как бы вступают в диалог с этими символами, показывая их другую сторону — ту, которая выходит за пределы положительного значения и переходит в область искушений. Картина Франса Снейдерса — это не просто изображение животных, это глубокое размышление о человеческой природе, о тонкой грани между порядком и хаосом, между созиданием и разрушением. 🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

⭐️ Друзья, хочу предложить вам нечто особенное! Ваша подписка — это знак доверия и верности, который позволяет мне продолжать создавать для вас что-то по-настоящему уникальное. Для Вас это возможность не просто быть зрителем, но стать соавтором всего, что мы делаем вместе. Сделайте, пожалуйста, небольшой вклад — который не просто помощь, это ваша поддержка всему сообществу, это ваш вклад в то, чтобы наш основной канал развивался и радовал вас новыми материалами. Представьте себе — каждый месяц вы вкладываете всего 100 звёзд или 95 рублей (как вам удобнее), но взамен получаете не только благодарность, но и доступ к эксклюзивному контенту. Представьте, насколько сильнее, интереснее и лучше мы сможем сделать наш канал вместе, благодаря каждому из вас! Присоединяйтесь к платному каналу, и пусть ваша звезда станет частью большого созвездия нашего сообщества! ⭐️ Сделать вклад и получить доступ к эксклюзивному контенту можно по ссылкам: ⭐️ https://t.me/+eyXDo6stTWE5MmNi 💸 https://t.me/tribute/app?startapp=s1pf Спасибо за вашу поддержку, за вашу энергию и за то, что вы делаете этот канал таким особенным! ❤️

Рождение Венеры 1984 Энди Уорхол Шелкография, холодно прессованная бумага 81,2 × 111,8 см Приватная коллекция Произведение выполнено в технике шелкографии на холодно прессованной бумаге. Работа представляет собой интерпретацию знаменитой картины Сандро Боттичелли «Рождение Венеры» (около 1485 года), которая изображает Венеру, богиню любви и красоты, выходящую из моря на раковине. Энди Уорхол, будучи одним из основателей поп-арта, был известен своим уникальным подходом к традиционным произведениям искусства, превращая их в яркие, броские и современные иконы. В своей интерпретации Венеры Уорхол применяет характерные для него яркие и неоновые цвета, которые кардинально меняют восприятие классического образа. В то время как оригинальная Венера Боттичелли наполнена мягкостью и гармонией, версия Уорхола более графична и модернистична, что отражает дух поп-культуры 1980-х годов. Использование шелкографии — техники, позволяющей создавать множество копий изображения — подчеркивает идею массового производства и коммерциализации искусства, которая была центральной в творчестве Уорхола. Эта техника также позволяет Уорхолу экспериментировать с цветами и текстурами, придавая известным изображениям новую жизнь и актуальность. «Рождение Венеры» Уорхола — это не просто реплика известной картины; это переосмысление классического искусства сквозь призму современной культуры и технологий. Этот шедевр демонстрирует, как символы прошлого могут быть интегрированы в современность, становясь частью визуального языка нового времени. 🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Энди Уорхол был известен своей одержимостью славой Голливудских знаменитостей, что легко прослеживается в его творчестве. Для репродукции он выбрал картину Сандро Боттичелли не просто так, Уорхол взял произведение эпохи Возрождения и переопределил его с точки зрения божественности современных американских идолов. Уорхол создал четыре разные версии "Рождения Венеры" Боттичелли, так как он сделал с портретом Мэрилин Монро. Таким образом он возводит Венеру, римскую богиню любви, в статус поп звезды. 🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Карл Густав Юнг теперь в Telegram! Мысли одного из самых цитируемых психологов Подписаться: t.me/CarlGustavJung_tg

Черёмуха в стакане 1932 К. С. Петров-Водкин Русский музей, Питер Картина эта - пример мастерского исполнения натюрморта, в котором художник проявил глубокое внимание к предметному миру и использованию цвета. На картине изображен скромный, но выразительный набор предметов: ветка цветущей черёмухи в стакане с водой, красная обложка журнала, письма в конвертах, коробок спичек, блюдце с чайной ложкой и чернильница с пером. Вся композиция построена на контрасте фактур: матовая поверхность скатерти, коробка спичек, лепестки черёмухи и бумажные конверты противопоставляются гладким, блестящим поверхностям стекла, металла и фарфора. Особое внимание заслуживает цветовая гамма картины. Петров-Водкин использует контраст синего и красного — цветов, составляющих основу его знаменитой «трёхцветки». Эти цвета не только создают гармоничную композицию, но и привлекают взгляд к центральным элементам натюрморта, создавая впечатление внутренней целостности и завершенности. 🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

«Грачи прилетели» Алексея Саврасова, «Березовая роща» Ивана Шишкина, «Два лада» Михаила Нестерова. Уже догадались, что объединяет все эти картины?  🌳 Береза — главное русское дерево, которое можно часто встретить в работах отечественных художников. Эту традицию продолжили Саша Коджо и Алиса Давыдова, представив полноправный символ русской души совершенно по-новому. На фестивале медиаарта «Москва 2030. Город света» художники показали завораживающую аудиовизуальную инсталляцию BEACONS. Световые столбы стали частью березовой рощи, стирая грань между природой и технологиями. Вы сами решаете, что хотите видеть в городе будущего — природное, техногенное или их симбиоз. Еще больше удивительных арт-объектов ждет вас в парке «Зарядье» до 8 сентября! Больше информации —  на сайте фестиваля и в Телеграм-канале.

Одним из источников картины была афиша с цирковыми тиграми, и Дали сохраняет многое от яркой непосредственности, связанной с искусством плаката. Сальвадор Дали так писал о своей картине: "Целью было впервые изобразить открытый Фрейдом тип долгого связного сна, вызванного мгновенным воздействием, от которого и происходит пробуждение."

Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения 1944 Сальвадор Дали Холст, масло 51 × 40,5 см Музей Тиссена-Борнемисы, Мадрид Одним из ярчайших примеров сюрреализма, где художник мастерски визуализирует тонкую грань между сном и реальностью. На картине изображена обнажённая женщина, вероятно, жена художника Гала, спящая на парящем куске скалы над спокойным морем. Вокруг неё разворачивается странное и пугающее видение: гранат, из которого выпрыгивают: огромная рыба, из которой выпрыгивают тигры, ружьё с штыком, а также гигантский слон на длинных, тонких ногах. Вся сцена разворачивается за мгновение до пробуждения, вызванного жужжанием пчелы, летающей вокруг граната. Дали был увлечён психоанализом Фрейда и часто обращался к теме снов и подсознательных желаний. В этой картине он исследует природу сна и то, как внешний раздражитель (в данном случае жужжание пчелы) может повлиять на его содержание. Пчела, летящая вокруг граната, олицетворяет внешний стимул, который проникает в сон, превращаясь в сложную цепь ассоциаций: гранат взрывается, из него появляются тигры, которые атакуют женщину, затем появляется ружьё, и весь этот процесс угрожает разбудить её. Картина выполнена в характерном для Дали гиперреалистическом стиле, где каждое изображение детально проработано и выглядит почти фотографически точно, что усиливает эффект нереальности происходящего. Прозрачные, практически невесомые образы (например, слон) подчёркивают эфемерную природу сна. Картина является визуальной метафорой того, как сознание мгновенно трансформирует реальные раздражители в богатые сюрреалистические образы, передавая сложные эмоции и страхи, спрятанные в глубине подсознания. 🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Эти тонкости помогают зарабатывать в Telegram от 50 тыс. до 1 млн рублей Нет, это не реклама курсов по заработку. Вот этого уж точно — хватит! Однако то, что вы прочтёте, когда перейдёте по ссылкам, возможно, окатит вас, как из ведра ледяной водой, перезагрузит и нажмёт те кнопки в голове, которые переведут в режим: “Вот оно!” Да-да, понимаю, как сложно и страшно начинать что-то новое. Но есть решение! Ниже блестящий “чек-лист” того, как начать бизнес в Telegram. Это конкретные инструменты, которые вы будете применять и смотреть, как на ваших глазах происходит чудо: С чего начать telegram-бизнес Алгоритм подбора темы канала для заработка Покупать БУ канал или качать свой? Как профи отбирают каналы для покупки рекламы Что делать, чтоб дорого продавать рекламу на канале То, что казалось сложным и невыполнимым, станет очевидным и простым. Чтобы научиться вести канал, продавать, зарабатывать и получать от этого кайф, вам нужно всего-навсего не пропускать тут посты — t.me/raskruti

Пробудившийся стыд 1853 Уильям Холман Хант холст, масло 76,2 × 55,9 см Британская галерея Тейт комната 14 Лондон, Великобритания На первый взгляд, картина изображает сцену, которая может показаться жанровой — молодая женщина в элегантной комнате, сидящая на коленях у мужчины. Однако глубина картины раскрывается при внимательном изучении деталей и контекста. Сцена иллюстрирует момент морального пробуждения героини, осознающей аморальность своей жизни. Женщина, очевидно, содержанка, внезапно понимает своё положение и ощущает стыд, что символизируется её взглядом и жестом, когда она пытается встать. Интерьер, в котором происходит действие, тщательно прорисован и наполнен символизмом. Зеркало, отражающее сад за окном, олицетворяет стремление к духовной чистоте и освобождению. Пианино, на котором лежит нотный лист, иллюстрирует настроение картины. Сам нотный лист — песня "Oft in the Stilly Night", популярная в то время мелодия, которая подчеркивает тему ностальгии и утраты. Цветовая палитра, характерная для Ханта, также служит усилению символизма. Яркие цвета одежды и интерьера контрастируют с серьезностью момента, подчёркивая разрыв между внешним блеском и внутренней борьбой героини. "Пробудившийся стыд" — это не только история о моральном пробуждении одной женщины, но и критика викторианского общества, где женщины часто становились жертвами социального и экономического неравенства. Картина остаётся актуальной и сегодня, вызывая размышления о моральных дилеммах и личной ответственности. 🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Книголюбы, для вас создали каналы с мыслями любимых писателей ⬇️ Александр Блок Александр Пушкин Анна Ахматова Антуан де Сент-Экзюпери Антон Чехов Борис Акунин Борис Пастернак Виктор Пелевин Владимир Маяковский Владимир Набоков Гёте Иоганн Джек Лондон Джон Толкин Джоан Роулинг Джордж Оруэлл Есенин Сергей Эрих Мария Ремарк Иван Бунин Иосиф Бродский Лев Толстой Максим Горький Марк Твен Михаил Булгаков Михаил Лермонтов Николай Гоголь Оскар Уайльд Рэй Брэдбери Стивен Кинг Чарльз Диккенс Уильям Шекспир Федор Достоевский Франц Кафка Харуки Мураками 📖 Остальные писатели — @literator

Московский трактир 1916 год Борис Кустодиев Холст, масло 99,3 × 129,3 см Третьяковка, Москва Картина выполненная в технике масляной живописи на холсте, представляет собой живописное воплощение атмосферы традиционного русского трактира начала XX века. Художник, известный своей способностью мастерски передавать национальный колорит и бытовые сцены, здесь демонстрирует типичную трактирную обстановку, создавая картину, полную жизни и национальной идентичности. На картине изображен момент коллективного чаепития в уютном московском трактире. В центре внимания группы людей, одетых в традиционные русские одежды, которые с удовольствием пьют чай из больших фарфоровых чашек. За столом сидят представители купеческого сословия, что подчеркивает характерные черты русского купечества: степенность, уравновешенность и неторопливость. Важная деталь — мальчики-официанты, которые обслуживают гостей, создавая живое движение в композиции. Красные стены помещения, заполненные полками с фарфором, создают ощущение теплоты и уюта. Кустодиев использует яркие, насыщенные цвета, чтобы передать богатство интерьера и атмосферу уюта, царящую в трактире. Внимание к деталям, таким как узоры на чайниках, разноцветные кушанья на столе, портрет на стене и даже присутствие кота на полу, делает картину более живой и динамичной. Эта работа Бориса Кустодиева отражает не только быт, но и дух времени, когда Россия была на пороге перемен, но всё еще сохраняла свои традиции и культурные ценности. Картина олицетворяет своеобразный "островок стабильности" и спокойствия в эпоху перемен, приглашая зрителя окунуться в атмосферу старой Москвы с её типичными трактирными сценами. «Московский трактир» можно рассматривать как своеобразную визуальную хронику, которая, несмотря на свою декоративность, сохраняет историческую точность и культурное богатство того времени. Эта работа Кустодиева является одной из жемчужин коллекции Государственной Третьяковской галереи в Москве, отражающей дух и колорит дореволюционной России. 🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

ART FLASH «После того как работа начинает где-то мелькать в интернете, иногда место начинают ремонтировать» — так признается молодая художница Ульяна Полоз. Молодая художница Ульяна Полоз уже шесть лет пополняет улицы Санкт-Петербурга репродукциями классических полотен. Для работы она использует безопасную для поверхностей технику: если это стена, то в ход идут печать на бумаге или обоях, если стекло, то специальная клейкая плёнка, которую с легкостью можно снять. Тем не менее работы всё равно закрашивают коммунальные службы города. Причина — «не положено». Если петербуржцы не идут в музей, то музей идет к петербуржцам. Так или иначе искусство и жители города все равно встретятся. А о последвиях этой встречи для забора на Социалистической улице читайте подробнее на канале: ART FLASH

Рассвет 1922 Максфилд Пэрриш Это шедевр, в котором художник мастерски соединил элементы прерафаэлитской живописи, технику старых мастеров и коммерческую привлекательность. Масштабное полотно размером 67,3 × 114,3 см написано маслом на дереве и находится в частной коллекции. "Рассвет" мгновенно завоевал признание как одно из выдающихся произведений американского искусства того времени. Успех картины был столь велик, что уже в 1925 году каждая четвёртая семья в Соединённых Штатах имела репродукцию этого произведения в своей гостиной. По количеству воспроизведений "Рассвет" обогнал большинство других работ художников того периода, уступая лишь картинам Сезанна и Ван Гога. На картине изображены две фигуры, окружённые фантастическим ландшафтом, залитым мягким светом рассвета. Пэрриш создал композицию, где идеализированные формы и изысканные цвета сливаются в гармоничное целое, передающее атмосферу умиротворённого пробуждения природы и души. Столбы и густая растительность на переднем плане создают ощущение приватного пространства, где разворачивается сцена, символизирующая новые начала и надежду. Этот шедевр не только стал символом своего времени, но и вдохновил целое поколение на новый взгляд на мир через призму искусства. Коммерческий успех картины подтверждает её универсальность и способность проникать в сердца людей, оставаясь актуальной и востребованной на протяжении десятилетий. 🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Мы нашли лучшую галерею искусств в Telegram. Канал "Ноктюрн в чёрном и золотом" посвящён искусству во всём его проявлении: от античных сюжетов до работ современных авторов. Всего пара минут в день – и вы прокачаете свой культурный уровень. Подписывайтесь: t.me/nocturneinblackandgold

​​Картины были заказаны Мануэлем Годоем, первым министром Испании, для своей частной коллекции обнажённой натуры. В 1808 году «Маха обнажённая» была обнаружена Испанской инквизицией вместе с другими картинами «сомнительного содержания». Годой предстал перед судом и был принуждён раскрыть имена авторов конфискованных картин, названных «крайне неприличными и представляющими угрозу общественным интересам». Гойе были предъявлены обвинения в безнравственности. В настоящее время они экспонируются в Прадо рядом друг с другом, хотя существует мнение, что их следует разделить для независимого восприятия

Маха обнажённая ок. 1797—1800 Франсиско Гойя Холст, масло. 97 × 190 см Музей Прадо, Мадрид Маха одетая ок. 1800—1805 Франсиско Гойя Холст, масло. 97 × 190 см Прадо, Мадрид Два шедевра испанского художника, которые представляют собой не просто изображения одной и той же женщины, но и глубокое размышление о человеческой природе, обществе и искусстве. "Маха обнажённая" (ок. 1797–1800) изображает женщину, лежащую на подушках, совершенно обнажённую. Это была одна из первых испанских картин, на которой женщина изображена без мифологических или религиозных предлогов, что вызвало значительный резонанс. Маха смотрит прямо на зрителя, её взгляд спокойный и уверенный, что придаёт работе интимность и силу. Эта картина демонстрирует мастерство Гойя в изображении человеческого тела, его способность передать не только физическую красоту, но и индивидуальность. "Маха одетая" (ок. 1803) изображает ту же женщину, но уже в богато украшенном наряде. Здесь Гойя использует яркие краски и детализированную работу с тканями, чтобы подчеркнуть контраст между двумя образами. Интересно, что поза модели осталась практически неизменной, что ещё больше усиливает эффект контраста: одна и та же женщина предстает перед зрителем в совершенно разных обликах — один откровенно чувственный и естественный, другой — социально приемлемый и скромный. Эти две картины часто рассматриваются вместе как пара, и их сопоставление вызывает множество вопросов и интерпретаций. Кто была эта женщина? Было ли её обнажённое изображение вызовом обществу? Эти вопросы остаются без окончательных ответов, что добавляет загадочности и привлекательности работам. Существует мнение, что обе картины являются олицетворением дуальности человеческой природы — телесного и духовного, явного и скрытого, свободы и ограничений. "Маха обнажённая" и "Маха одетая" остаются одними из самых известных и обсуждаемых произведений Гойя, демонстрируя его смелость, талант и уникальный взгляд на искусство и жизнь. 🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Винсент Ван Гог, Клод Моне, Иван Айвазовский. Культовыми художниками теперь можно наслаждаться в одном месте. На канале "Płótno" публикуют полотна из Третьяковской галереи, Лувра, Эрмитажа, а также описание и интересные факты про них. Рекомендуем посетить отличный канал об искусстве: t.me/Płótno_tg

Ангел смерти 1851 Орас Верне Холст, масло. 146 × 113 см Эрмитаж, Питер Картина изображает сцену смерти, наполненную символизмом и глубокой эмоциональностью. На полотне изображена молодая женщина, лежащая на смертном одре. Над ней возвышается фигура Ангела Смерти, окутанного тенью. Этот ангел, в тёмной одежде с большими крыльями, поддерживает женщину, нежно держа её за плечо. Его лицо скрыто, что подчеркивает его неизбежную и таинственную природу. Женщина, одетая в белое, что символизирует чистоту и невинность, кажется спокойной и умиротворенной, будто готова отправиться в иной мир. Рядом с её кроватью на коленях молится мужчина, вероятно, оплакивающий её. На тумбочке видна икона Богородицы и открытая книга, что добавляет религиозный контекст и подчеркивает момент перехода души в иной мир. Верне мастерски использует свет и тень в этой картине. Луч света, падающий сверху, освещает женщину, создавая ощущение божественного присутствия и указывая на её вознесение. Темные тона, окружающие ангела, акцентируют внимание на контрасте между жизнью и смертью. Эта работа Верне глубоко трогает и заставляет задуматься о хрупкости человеческой жизни и неизбежности её окончания. Она передает ощущение спокойствия и принятия, указывая на духовную сторону перехода в другой мир. 🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Справа внизу подпись художника и дата: H. Vernet 1851. Сюжет картины вероятно вызван личным горем художника — смертью его дочери Луизы (1814—1848) и скорее всего является аллегорией на это трагическое событие. Первая картина "Ангел смерти" была написана в 1841 году (40x28 см). Сейчас в частной коллекции

erid: LjN8KB2Ng Повседневная эстетика: интерьер, как искусство 2K design — сообщество для тех, кто ценит стиль, функциональность и осознанный подход в оформлении Дома. На канале много образовательного контента, который помогает разобраться в принципах и истории дизайна. На канале: Реализованные проекты: примеры дизайнерских решений с действенными приемами, которые помогут увидеть возможности для обновления интерьера. Подборки: тщательно отобранные предметы, способные стать яркими акцентами. Вещи, вдохновляющие на свежие идеи и эксперименты, а также практичные в использовании. Рубрики: погружение в мир дизайна и искусства, от истории материалов до современных трендов, а также разбор интерьеров из кино.

Серия «Путь империи» («The Course of Empire») Томаса Коула — это один из самых значимых и амбициозных проектов художника, состоящий из пяти картин, созданных в период с 1833 по 1836 год. Эти работы представляют собой аллегорическое изображение жизненного цикла цивилизации, от её зарождения до полного упадка. Коула часто рассматривают как одного из ведущих представителей американского романтизма и основателя школы реки Гудзон. В этой серии он стремился показать неизбежность упадка даже самых могущественных империй, отражая свою обеспокоенность развитием общества и воздействием человека на природу. Картины серии «Путь империи» 1. Дикая природа (The Savage State) Первая картина изображает природу в её первозданном виде. Пейзаж дикий и нетронутый, с плотными лесами, горными хребтами и бурными реками. Здесь показана доцивилизационная эпоха, когда человек ещё не оказал значительного влияния на окружающую среду. 2. Аркадия, или Пасторальное состояние (The Arcadian or Pastoral State) Вторая работа изображает начало цивилизации. Пейзаж по-прежнему в значительной степени естественный, но теперь он дополнен признаками человеческой деятельности: земледелие, пастухи с овцами, небольшие поселения. Здесь царит мир и гармония, что символизирует идеализированное состояние общества. 3. Зенит империи (The Consummation of Empire) Третья картина показывает кульминацию империи. Это сцена роскоши и могущества, где природа почти полностью подчинена человеку. Грандиозные здания, мосты, статуи и плотная застройка символизируют силу и величие цивилизации на её пике. 4. Разрушение (Destruction) Четвёртая работа изображает начало упадка. Война, разрушения и хаос овладевают городом. Огромные здания горят, люди в панике бегут или сражаются. Это мощное предупреждение о том, что ни одна цивилизация не застрахована от разрушения. 5. Запустение (Desolation) Заключительная картина показывает последствия разрушения. Город разрушен и заброшен, природа вновь начинает отвоёвывать свои позиции. Это мрачная сцена, где остатки когда-то величественных сооружений поглощаются временем и растительностью, символизируя конец цивилизации. Значение и Влияние Серия «Путь империи» является важным отражением философских и эстетических взглядов Томаса Коула. Она отражает его убеждённость в циклическом характере истории и в том, что чрезмерное развитие и злоупотребление природными ресурсами неизбежно приводят к упадку. Эти картины остаются актуальными и сегодня, напоминая о необходимости бережного отношения к окружающей среде и осмотрительного развития общества. 🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

🔍 Любители искусства — для вас потрясающее предложение! Представьте себе папку Культурных Каналов в Telegram, где вы найдете не только каналы, посвящённые искусству с восхитительными картинами. Но захватывающие рассказы на русском и английском языках. А так же в папке есть канал о музеях с занимательными выставками, фильмами об искусстве и даже канал с волшебной поэзией и кое что другое. Ну и конечно, изумительные мелодии — кайфуйте под классику! ❤️ Вот что точно покорит ваше сердце! И самое замечательное — не нужно подписываться на каждый канал отдельно. Просто добавьте одну папку к себе и наслаждайтесь этим разнообразием культуры и искусства: https://t.me/addlist/B4p71NiAfOw2MjMy Загляните всего на минутку — что-то, что вы точно захотите почитать, посмотреть или послушать 😁

Этапы жизни 1835 Каспар Давид Фридрих Музей искусств, Лейпциг Холст, масло. 72.5 × 94 см Это глубокое и многослойное произведение, которое не только запечатлевает красоту природы, но и символизирует жизненные этапы человека. Фридрих, один из ключевых представителей немецкого романтизма, использует образы и пейзаж, чтобы выразить сложные философские идеи, свойственные этому направлению. На первый взгляд, картина представляет собой мирную сцену на побережье, где несколько людей наблюдают за кораблями, плывущими по морю. Однако при внимательном рассмотрении можно увидеть, что эти корабли — не просто часть пейзажа, а символы, отражающие разные этапы жизни. Символика картины: Корабли на горизонте: Вдали виднеются два корабля, которые постепенно исчезают из виду. Они символизируют детство и юность — время, когда мы только отправляемся в путешествие по жизни, полные надежд и ожиданий. Средний корабль: Корабль в центре композиции, находящийся ближе к берегу, можно трактовать как символ зрелости. Это период активного участия в жизни, когда человек уже обрел свое место в мире, но всё ещё продолжает путь, полный трудностей и радостей. Ближний корабль: Корабль, пришвартованный ближе всего к берегу, символизирует старость и завершение жизненного пути. Как и корабль, человек возвращается к своим корням, к своим воспоминаниям, перед тем как окончательно закончить свое путешествие. Фигуры на берегу: Люди на переднем плане, наблюдающие за кораблями, могут символизировать разные возрасты и этапы жизни. Старик с тростью — символ старости и мудрости, двое детей — символ молодости и невинности, а взрослый мужчина — символ зрелости и ответственности. Пейзаж и цветовая гамма: Спокойный пейзаж и мягкие цвета заката подчеркивают философскую задумку картины. Закат, как момент перехода от дня к ночи, может символизировать завершение жизненного цикла. Заключение: "Этапы жизни" — это не просто произведение искусства, это философский диалог между художником и зрителем, который приглашает нас задуматься о смысле жизни и наших собственных путешествиях по ней. 🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

⭐️ Теперь вы можете отблагодарить авторов каналов и показать свою любовь подарив звездочки 🥰 Под каждым постом можно отправить любое количество доступных вам звёзд, начиная от одной штучки. Если у вас нет звёзд, то при нажатии на реакцию со звездой вам будет предложено купить звезды. Цена одной звезды - сущие копейки, около 1 рубля. А чтобы начать раздавать звёздочки и благодарить меня за крутой контент – обновите Telegram до 11 версии, иначе вы не сможете порадовать себя подарком) Кстати, после того, как вы нажмёте на подарочную звезду, вы увидите рейтинг, где будет показан самый щедрый мой подписчик, то есть тот, кто не пожалел и поставил больше всех звёзд. Кто у нас самый преданный?) Тыкать здесь👇

Всадница 1832 Карл Брюллов Третьяковка, Москва Картина обладает удивительным сочетанием грации, динамики и психологической глубины. На полотне изображена графиня Юлия Павловна Самойлова, одна из близких друзей Брюллова, со своими приемными дочерьми — Амелией и Джованиной Пачини. Главная фигура на картине — Джованина, уверенно сидящая на черном жеребце. Её спокойствие и благородная осанка резко контрастируют с напряженностью лошади, что придает картине динамичность. Рядом с лошадью стоит Амелия, одетая в розовое платье, которая с детским любопытством и восхищением наблюдает за старшей сестрой. Внимание к деталям и мастерство в передаче текстур и светотеней делают картину невероятно реалистичной. Интересным элементом картины является собака, изображенная у ног Джованины. На ее ошейнике Брюллов оставил надпись "Samoylova", что указывает на принадлежность картины графине Самойловой. Это маленькая деталь придает произведению особую личную значимость. "Всадница" это не просто портрет, но и аллегория уверенности, женственности и благородства. Брюллов сумел передать не только внешнюю красоту своих героинь, но и их внутренний мир, сделав картину живой и наполненной смыслом. Она до сих пор вызывает восхищение зрителей своей эмоциональной глубиной и виртуозным исполнением. 🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Скучал, пьянствовал, ел шоколад. Пётр Чайковский 5 февраля, 1889 г. Был целый день невоздержан: жрал рахат-лукум, мороженое и всякую дрянь. Лев Толстой 16 июня, 1852 г. Свободы хочется и денег. Сидеть бы на палубе, трескать вино и беседовать о литературе, а вечером дамы. Антон Чехов 28 июля, 1893 г. 📖 Дневниками и мыслями известных личностей теперь можно наслаждаться в одном месте.    Канал "Жизнь в дневниках" – это собрание лучших мыслей и дневниковых записей великих писателей, художников, режиссёров и композиторов. Подписывайтесь, чтобы восхищаться интересными личностями: t.me/dnevnikitg

«Карл I с трёх сторон» кисти ван Дейка

Молодой Омаха, Боевой Орёл, Маленький Миссури и пауни 1821 год Чарльз Бёрд Кинг Музей искусства, Вашингтон Картина представляет собой впечатляющий портрет образов коренных народов Америки. Эта работа – часть огромного «индейского проекта», на который художник посвятил 16 лет своей жизни. Она является примером того, как западные художники того времени стремились не только отразить внешность, но и передать суть и дух народов, с которыми они сталкивались. На картине изображены четыре мужчины с ярко выраженными чертами лица и красным раскрасом, что в общественном восприятии того времени ассоциировалось с расовым стереотипом «краснокожих». Эти образы, возможно, стали символом сущности и силы их племён, и одновременно служат визуальным выражением европейского взгляда на коренных американцев. Кинг мог быть вдохновлен тройным портретом Карла I работы Антониса Ван Дейка, одного из «старых мастеров», а также «Четырьмя этюдами головы негра» Питера Пауля Рубенса и «Слугами» Уильяма Хогарта. Сочетая эти влияния с личным видением, он создал произведение, которое не только отражает культурные и расовые взгляды того времени, но и сохраняет важные антропологические и этнографические детали. Хотя «индейский проект» Кинга был полностью выставлен в Индейской Национальной портретной галерее, учреждённой ещё в 1817 году, многие его работы были утрачены в результате пожара 1865 года в Смитсоновском институте. Сегодня они ценятся как важные исторические документы, дающие представление о внешнем облике и культурной идентичности почти 150 индейских вождей того времени. Эта картина – не просто художественное произведение, но и визуальная летопись, которая напоминает нам о важности сохранения и уважения культурного наследия коренных народов Америки. 🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Давно хотите научиться рисовать? Мечтаете удивить близких и знакомых своим мастерством? А может даже стать профессиональным художником? Приходите на марафон по рисованию цветов для начинающих. Это бесплатно! Регистрация тут: https://picturesque-wednesdays.tilda.ws/flowers?utm_source=tg&utm_campaign=pabliki&utm_content=post3_creativ11&utm_medium=kartiny2 Что будет на марафоне: - За 5 дней с нуля научитесь рисовать 5 волшебных цветочных картин - Познакомитесь с разными техниками живописи - Узнаете простые и понятные методы рисования, с помощью которых сможете изобразить даже сложные сюжеты - Поймете, что научиться рисовать может каждый, и что для этого не нужно тратить годы и кучу денег на учителей! Это будет практика, после которой у Вас останется 5 собственных шедевров, которыми будете гордиться! Регистрируйтесь: https://picturesque-wednesdays.tilda.ws/flowers?utm_source=tg&utm_campaign=pabliki&utm_content=post3_creativ11&utm_medium=kartiny2

Заправочная стация 1940 Хоппер Музей современного искусства, Нью-Йорк Картина изображает одинокую бензоколонку на фоне лесного пейзажа в предвечерний час. На переднем плане можно увидеть мужчину, работающего на заправке, что добавляет ощущение уединенности и меланхолии, присущее многим работам Хоппера. Тема дорог и путешествий действительно занимает важное место в творчестве художника, однако примечательно, что автомобили на его полотнах встречаются крайне редко. Хоппер умело передает ощущение пустоты и одиночества, как бы приглашая зрителя задуматься о значении этого места и о жизни людей, связанной с такими незначительными, на первый взгляд, локациями. На картине "Заправочная станция" в первую очередь привлекает внимание игра света и тени, создающая особое настроение. Сумеречный свет, слегка освещающий край леса и фасад здания, добавляет картине таинственности и глубины. Эта работа Хоппера, как и многие другие, символизирует изоляцию и оторванность, характерные для американского общества середины XX века. 🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

📽 Федерико Феллини, Ингмар Бергман, Джим Джармуш, Стэнли Кубрик. Работами культовых режиссеров теперь можно наслаждаться в одном месте.    На канале "Art Cinema" публикуют авторское кино разных эпох, от европейского артхауса 20-х до андеграунда последних лет. Подписывайтесь, чтобы не тратить время на посредственное кино: t.me/Art_Cinema

Портрет мадам Рекамье 1800 Жак-Луи Давид Картина кисти Жака-Луи Давида, одного из величайших мастеров французского классицизма. Это произведение стало символом эпохи, воплощая в себе как элегантность и утонченность, так и строгие каноны классического искусства. На полотне знаменитая светская львица того времени, известная своим умом, красотой и влиятельным салоном, который посещали многие выдающиеся личности. Она изображена в простой белой одежде в стиле ампир, подчеркивающей ее стройную фигуру и изящество. Мадам Рекамье полулежит на кушетке, известной как "шезлонг", которая стала знаковым элементом этой картины. Жюли изображена в расслабленной, но элегантной позе, что передает её спокойствие и уверенность в себе. Простой фон и минимум деталей подчеркивают фигуру женщины, делая её центром композиции. Взгляд мадам Рекамье, слегка отвлеченный в сторону, добавляет образу загадочности и интриги, придавая картине особое очарование. Работа Давида отражает эстетику неоклассицизма, в которой важное значение придавалось гармонии, строгости линий и сдержанности. В то же время, несмотря на внешнюю простоту, картина передает глубокий внутренний мир героини. Её поза и выражение лица намекают на спокойствие, уверенность и внутреннюю силу, которые были характерны для образа идеальной женщины того времени. Это не просто изображение светской дамы, но и отражение идеалов и ценностей эпохи. Эта картина стала одним из самых узнаваемых произведений Жака-Луи Давида, олицетворяя элегантность и утонченность французской культуры конца XVIII — начала XIX века. 🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Перспектива мадам Рекамье Рене Магритт Это один из самых известных сюрреалистов XX века, и его картина "Перспектива мадам Рекамье" является ярким примером его уникального подхода к искусству. Основой для работы Магритта послужила знаменитая картина Жака-Луи Давида "Портрет мадам Рекамье" (1800), на которой изображена Жюли Рекамье, сидящая на кушетке в элегантной позе. Однако в версии Магритта, вместо женщины на кушетке расположен гроб, что превращает оригинальную сцену в ироничное, мрачное размышление о бренности жизни и смерти. Замена фигуры героини на гроб несет в себе глубокий философский смысл. Магритт подчеркивает иллюзорность восприятия, которая характерна для сюрреализма. Он бросает вызов зрителю, заставляя его задуматься о том, как одно и то же пространство может быть воспринято совершенно по-разному в зависимости от того, что в нем находится. Таким образом, картина предлагает размышления о связи жизни и смерти, обывательской суетности и неизбежности конца. Этот образ особенно силен тем, что сохраняет атмосферу оригинала Давида, но при этом полностью изменяет его смысл. Легкость и изящество оригинальной картины контрастируют с тяжестью и неизбежностью гроба, создавая чувство диссонанса. Картина как бы говорит о том, что под кажущейся красотой и спокойствием всегда прячется что-то мрачное и трагичное, что вся наша жизнь — это лишь краткий миг перед неизбежным концом. В "Перспективе мадам Рекамье" Магритт демонстрирует свое мастерство в создании двойственных образов, которые одновременно шокируют и заставляют задуматься. Это произведение — не просто дань уважения великому предшественнику, но и самостоятельное произведение искусства, полное символизма и глубокого смысла. 🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

9️⃣ лет в телеграм. Да я динозавр 🦕 просто) А вы уже определили свой возраст в Телеграм? https://t.me/dogshouse_bot/join?startapp=TNmRF_cPR-OT_vcW4lhaOw

​​«Зелёная полоса» существует в двух авторских вариантах, один из которых находится в музее-заповеднике «Ростовский кремль», другой — в частном собрании в Швеции. Второй вариант в 1946 году положил начало крупнейшей частной коллекции русского авангарда Георгия Костаки. По некоторым предположениям, «Зелёная полоса» могла входить в триптих с двумя утерянными картинами Розановой — «Жёлтой полосой» и «Пурпурной полосой».

Зелёная полоса 1917 Розанова Ростов. Кремль Это выдающееся произведение русского авангарда, которое занимает важное место в истории искусства, хотя и не так известно широкой аудитории, как «Чёрный квадрат» Малевича. Картина была создана в период интенсивного эксперимента в искусстве, когда художники стремились выразить новые идеи и формы, которые выходили за рамки традиционного восприятия. Ольга Розанова была одной из ключевых фигур русского авангарда и участницей движения супрематизма, возглавляемого Малевичем. В «Зелёной полосе» она использует минималистический подход, который характеризует её стремление к абстракции и новому художественному языку. Как и в «Чёрном квадрате», здесь отсутствует изображение реальных объектов, что подчеркивает отказ от миметической функции искусства и переход к чистой форме и цвету. Значение этой картины для мирового авангарда сопоставимо с «Чёрным квадратом», но, в отличие от шедевра Малевича, «Зелёная полоса» не получила столь широкой известности и долгое время пребывала в забвении вместе с именем самой художницы. Эта работа символизирует поиск новых смыслов и форм в искусстве, а также стремление к выражению внутренней сути, которая скрывается за видимым миром. Это не просто картина, а манифест нового взгляда на искусство, где цвет и форма становятся основными средствами выражения. В этом смысле она отражает основные идеи супрематизма, которые были нацелены на достижение чистого искусства, свободного от всяких изобразительных ограничений. Сегодня «Зелёная полоса» признана одной из важнейших работ в наследии русского авангарда, но, несмотря на это, остается малоизвестной за пределами узкого круга ценителей. Тем не менее, её влияние на развитие абстрактного искусства и на мировую художественную мысль сложно переоценить. Она показывает, как художественные идеи могут выходить за рамки времени и пространства, преодолевая забвение и возвращаясь к жизни, чтобы вдохновлять новые поколения. 🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Хотите научиться рисовать 5 волшебных картин за 5 дней? Регистрируйтесь на бесплатный пятидневный живописный марафон для начинающих и продвинутых! Подробнее здесь: https://picturesque-wednesdays.tilda.ws/flowers?utm_source=tg&utm_campaign=pabliki&utm_content=post1_creativ13&utm_medium=kartiny2 Что вас ждет: - Познакомитесь с разными техниками живописи - Узнаете простые и понятные методы рисования цветов - Отточите те навыки, которые у вас уже есть - Научитесь рисовать сложные прекрасные картины с помощью простых техник, даже если до этого раньше не брали в руки кисточку! Уже через 5 дней у вас 5 волшебных цветочных картин, которыми Вы будете гордиться! На марафоне вы поймете, что научиться достойно рисовать может каждый, и на это не нужно тратить годы и кучу денег на учителей Подарок! После регистрации пришлем уникальное пособие по смешиванию красок, а на самом марафоне будет разбор ваших работ от автора курса! Количество мест ограничено. Чтобы зарегистрироваться, жмите https://picturesque-wednesdays.tilda.ws/flowers?utm_source=tg&utm_campaign=pabliki&utm_content=post1_creativ13&utm_medium=kartiny2

Воз сена 1500—1502 Иероним Босх Дерево, масло. 190 × 135 см Прадо/Эскориал, Мадрид Картина представляет собой триптих, выполненный маслом на дереве. Считается первой из больших сатирико-нравоучительных аллегорий зрелого периода творчества Босха. Триптих был предназначен для алтаря и представляет собой поучительное произведение, посвященное грехам и порокам человеческой натуры. Левая створка показывает сцену из Эдемского сада, начиная с момента грехопадения Адама и Евы, продолжая изгнанием из Рая и заканчивая ангелами, изгоняющими людей из Эдема. Здесь изображен момент, когда человечество теряет невинность и начинает путь к грехам и страданиям. Центральная часть картины изображает громадный воз сена, за которым стремятся представители всех слоев общества. На этом возе сидит группа ангелов, пытающихся предотвратить разорение воза демонами. Этот элемент аллегорически передает мысль о том, что люди во всем мире стремятся к материальным благам, не обращая внимания на духовные ценности. Правая створка — адские сцены, символизирующие последствия греховной жизни. Здесь изображены наказания, которые ожидают людей в аду за их грехи. Картина сохранилась в двух версиях — из музея Прадо и монастыря Эскориал. Обе версии неплохо сохранились и подверглись масштабной реставрации. Существует мнение, что обе версии могут быть оригиналами, а изображения на внешних створках могли быть выполнены учениками или подмастерьями Босха. Босх использует символы и метафоры, чтобы выразить критику человеческой жадности, стремления к материальному и забвения духовных ценностей. Картина заставляет зрителей задуматься о своих поступках и их последствиях. Это не только шедевр мировой живописи, но и глубокое философское произведение, обращенное к каждому зрителю. Оно приглашает к размышлениям о смысле жизни, человеческих слабостях и конечной судьбе, подчеркивая важность духовных ценностей и моральных принципов. 🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Идея миротворчества и защиты прав человека становится особенно актуальной в условиях глобальных конфликтов. 💭 Михаил Швыдкой подчеркивает, что Толстой олицетворяет высшие ценности гуманизма, что вдохновляет на современные усилия по сохранению мира. 🌱 🤝 Международное жюри, возглавляемое Валерием Гергиевым, выберет лауреатов независимо от их политических взглядов или религиозной принадлежности. Премия поддержит тех, кто борется за мир и права человека. 🕊 🌟 Вручение Международной премии мира имени Льва Толстого состоится 9 сентября 2024 года в Большом театре. 🌟 Подробнее читайте в интервью.

Вечер. Красное дерево 1910 Пит Мондриан Муниципальный музей, Гаага Эта картина — важная работа Пита Мондриана, она знаменует его переход от реализма к абстракционизму. На первый взгляд, зритель видит изображение дерева с ярко-красными ветвями, контрастирующими с холодным синим фоном. Эта работа демонстрирует смелое использование цвета и выражает эмоциональную интенсивность, выходящую за рамки традиционного пейзажа. Лето 1908, 1909 и 1910 годов Мондриан провёл в Домбурге, где он жил на вилле Ловерндале, принадлежавшей его покровительнице Марии Так ван Портвлит. Этот период стал ключевым в его творческой эволюции. Картина была написана в 1910 году и представляет собой этап, когда художник начал отходить от реалистического изображения природы и стремился к абстрактному выражению сущности увиденного. Тут Мондриан экспериментирует с формой и цветом. Он использует контрасты и динамичные линии, чтобы передать не столько внешний вид дерева, сколько его внутреннюю энергию и жизненную силу. Это видно в красных ветвях, которые кажутся пульсирующими на фоне ночного неба. В последующие годы его работы станут ещё более геометрическими и минималистичными, что в конечном итоге приведет его к созданию знаменитых нео-пластических композиций. В этот период на творчество Мондриана также повлиял символизм, что отражено в использовании ярких цветов и мистической атмосферы картины. Мондриан считал, что цвет и форма могут выражать духовную сущность предметов. Здесь он использует красный цвет для передачи энергии и жизни, в то время как синий фон создаёт ощущение спокойствия и вечности. "Вечер. Красное дерево" — это не просто пейзаж, а глубокое исследование цвета, формы и эмоций. Пит Мондриан, благодаря своему уникальному видению, смог запечатлеть не только внешний облик дерева, но и его внутреннюю суть. Эта картина символизирует важный этап в развитии художника и является ключевой в понимании его пути к абстракционизму. #абстракционизм #неопластицизм 🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

🖐 Привет, ценитель искусства! Как будет минутка, загляни на канал “Русский Реализм”. Тут каждая кисть, каждая линия, каждый мазок оживают 🎨 🖌 От классических мастеров до современных художников России. Мы расскажем о техниках, стилях и творческих подходах. Заходите и подписывайтесь на наш канал, чтобы наслаждаться вдохновением и красотой русского искусства! 🎨 “Русский Реализм” – тут Искусство Оживает! https://t.me/+sJrILLV3q2xjNzhi

Лебеди над Камой (1920, повторение картины 1912 года)

В голубом просторе 1918 Аркадий Рылов Третьяковка, Москва В советское время картина рассматривалась как программное произведение и своеобразная точка отсчёта для истории советской пейзажной живописи. История создания Аркадий Рылов писал эту картину в суровых условиях послереволюционного Петрограда. В своих воспоминаниях художник описывает трудности того времени: «Работать становится трудно. Мысли заняты только тем, как бы съесть чего-нибудь… В кухне утром вода замерзала и в ведре, и в самоваре. Двойной комплект белья, фуфайка, на голове шерстяной шлем, на руках рукавицы — такой был мой ночной костюм… Укрывался я двумя одеялами и шубой…». Несмотря на все трудности, картина была завершена и представлена в 1919 году на Первой государственной свободной выставке произведений искусства в Петрограде. Описание картины На картине изображены белоснежные лебеди, летящие над бескрайним синим морем. На заднем плане виден парусник, устремленный к заснеженным островам, возвышающимся над морской гладью. Картина наполнена чувством свободы, простора и величия природы. Небо, усыпанное облаками, создает ощущение бесконечности и открытого пространства, усиливая контраст с суровой реальностью, в которой находился художник. Значение и влияние «В голубом просторе» не только передает красоту природы, но и символизирует стремление к свободе и светлым идеалам, что было особенно актуально в послереволюционные годы. Картина стала символом надежды и вдохновения для многих советских художников, продолживших традицию пейзажной живописи в новых исторических условиях. Таким образом, картина Аркадия Рылова «В голубом просторе» занимает особое место в истории русской и советской живописи, отражая как личные переживания художника, так и общие настроения эпохи. 🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Дайджест картин за июль '24 Наши стикеры — t.me/addstickers/kartinytg ⛔️ Запрещённое в соцсетях искусство подробно. Я и деревня. Марк Шагал Красавица. Кустодиев Молот без мастера. Хуан Миро Паоло и Франческа. Доминик Энгр Отражение в куполе. Александр Гнилицкий Детская задача. Ричард Дадд А. С. Пушкин на берегу Черного моря. Айвазовский Чаша любви. Россетти Ловля тунца. Сальвадор Дали Остров мёртвых. Арнольд Бёклин Тюльпановое безумие. Жан-Леон Жером Зачарованный Мерлин. Эдвард Бёрн-Джонс Точильщик. Малевич

По статистике, 83% родителей никуда не ходят со своим ребёнком. Большинство современных детей словно брошены на произвол судьбы: целыми днями смотрят тиктоки, а вместо живого общения пользуются соцсетями и интернетом. Если вы не хотите, чтобы ваш ребёнок вырос закрытым и превратился в цифрового зомби, возьмите на заметку эти каналы: 🌇 Москва и дети • Куда сходить? 🏙 Питер и дети • Куда сходить? Тут находят способы круто провести время с детьми в Москве и Питере, от которых ваш малыш будет в восторге: игровые центры, детские кафе и бесплатные развлечения для семей. Пользуйтесь.

🍓 Запрещённое в соцсетях искусство — подробно.

Известные личности теперь в Telegram! 😄 Карл Густав Юнг – мысли одного из самых цитируемых психологов. 🥲 Фридрих Ницше – мысли самого цитируемого философа. 🫠 Фаина Раневская – самая цитируемая женщина. Истории из жизни, иронические цитаты. 🙂 Андрей Тарковский – канал о жизни и творчестве великого режиссёра. 😂 Эрих Мария Ремарк – цитаты из произведений и писем великого писателя. Присоединяйтесь!